Grohn

Ein Triptychon des menschlichen Daseins von Marc von Henning.

Drei Menschen am Rand der Schöpfung: Ein blinder Bibliothekar, der alle Bücher auswendig kennt, außer diesem einem, einmaligen, das ihm unerwartet in die Hände fällt. Eine garstige Regisseurin, die in ihrer Kritik nach der Generalprobe alle um sie herum niedermacht – dabei aber eigentlich nur ihre eigene Zerrissenheit offenbart. Ein Mann, dessen Tage gezählt sind und der zu allem bereit ist – bereit, jeden Tag so zu leben, als wäre er sein letzter.

Unruhe am Rand der Schöpfung bringt ein Triptychon des menschlichen Daseins auf die Bühne. Aus Texten, die zu verschiedenen Zeiten seines Schaffens entstanden sind, hat Marc von Henning drei voneinander unabhängigen Stücke geschrieben. Was sie verbindet? Die Sehnsucht der Figuren nach etwas Greifbarem, an dem sie sich festhalten können und das ihrem Leben einen Sinn verleiht – was auch immer das sein mag. Ihre Suche spiegelt das zutiefst menschliches Bedürfnis wider, das Echte und Unverfälschte zu finden, die eigene Existenz als sinnhaft zu erleben. Durch diese Resonanz mit den Wünschen, Hoffnungen und Sehnsüchten des Publikums bekommt der Abend eine ganz eigene, besondere Schönheit.

Die Figuren im ersten und dritten Teil haben sich beide Entwürfe ihres Lebens gebaut, die sie sowohl schützen als auch gefangen halten. Der blinde Bibliothekar glaubt, er habe die Welt in seinen Büchern gefunden und eingefangen. Umgeben von unendlichen Bücherstapeln fristet er ein Dasein zwischen den papierenen Worten, deren Inhalt er erfühlen und erschmecken kann. Ein unerwarteter Besuch durchbricht die verstaubte Melancholie seiner Welt mit dem einzigen Buch, das er nicht kennt: dem Buch der unendlichen Seiten, das weder Anfang hat noch Ende und ihn in ungeahnte Sphären entführt. Doch was soll er nun damit anfangen?
Der Sterbende im dritten Abschnitt des Abends sucht jemanden, dem er sein großes Geheimnis verraten kann: er hat nur noch 90 Tage zu leben. Er trägt sein Wissen wie eine neue Brille, durch die er plötzlich alles anders sieht. Diese neue Brille lässt ihn das Leben schärfer sehen, intensiver erleben. Doch er ist nicht in der Lage, sich seinem Umfeld mitzuteilen – und er bleibt allein.
Als Scharnier wird in der Mitte die Geschichte einer Regisseurin erzählt, die das Theater als den einzigen Ort begreift, an dem echte Menschen noch einmal wirklich atmen dürfen. Auszudrücken vermag sie dies jedoch nicht: nach der Generalprobe stürmt sie wie eine gnadenlose Chirurgin, die keine Betäubung verwendet, durch das Ensemble und zerstört dabei alles – vor allem sich selbst.

Alle drei Figuren fordern die Wahrheit ein. Die Regisseurin laut und scharf. Die anderen beiden leise und zart, poetisch und allein.

Unruhe am Rand der Schöpfung – der Titel legt nahe, worum es dem Autor und Regisseur in seiner Inszenierung geht: Dass die wichtigen Sachen im Leben oft gar nicht im Zentrum der Dinge geschehen. Dass wir uns oft so vorkommen, als würden wir am Rand stehen, nicht sicher sind, ob wir dazugehören. Dass es an irgendetwas fehlt. Und uns das unruhig macht.

Die Inszenierung nimmt das Publikum mit in einen außergewöhnlichen, poetischen Erzählraum, der tiefsinnig und nachdenklich stimmt, aber auch zynisch und sarkastisch auf das Menschsein blickt. Haben wir nicht alle mal etwas verloren, das wir vielleicht nie wieder finden werden? Der Abend fragt nicht, was das war. Er fragt nur, ob wir noch auf der Suche danach sind.

Die drei Abschnitte des Abends

I. DER BLINDE BIBLIOTHEKAR
„Der Geschmack des Apfels ist weder im Inneren des Apfels selbst, noch im Mund des Essers. Es braucht die Begegnung zwischen den beiden. So ist es mit dem Buch.”
Jorge Luis Borges

II. DIE KRITIK
„Er hat beschrieben, was er ahnte, nicht geschrieben, was er wusste.”
Die Regisseurin über Shakespeare

III. 90 TAGE
„Es kommt mir morgens schon mal vor, als würde mein Leben erst jetzt anfangen, dabei habe ich doch mehr als die Hälfte längst hinter mir.”
Der Sterbende

Marc von Henning über seine Inszenierung und seine Arbeit:

„Wir haben alle mal was verloren, das wir wohl nie wieder finden werden.”

„Ich mache kein politisches Theater, würde ich sagen. Was ich versuche ist, dem einzelnen Menschen auf der Bühne so nah zu kommen, dass das Große, das Draußen, das Beängstigende, plötzlich durch ihn hindurchscheint. Ohne dass man es benennen muss.“

Copyright Text & Bild: Shakespeare Company

Als sich Romeo und Julia kennenlernen, sind sie zwei ganz normale Teenager, denen etwas ganz Besonderes geschieht: auf den ersten Blick sind sie unsterblich (!) ineinander verliebt! Doch sie gehören zwei verfeindeten Familien an, die Verona mit ihrer blutigen Fehde aus Hass und Gewalt überziehen. Jeder Scherz eine Provokation, jedes Zusammentreffen– Krieg! Weder die Androhung drakonischer Strafen für Gewalttäter durch den Fürsten noch die Beschwichtigungen des Paters – die Stimmen von Vernunft und Friedfertigkeit treffen bei den beiden Gangs auf taube Ohren. Eine Versöhnung der Capulets und Montagues – unmöglich! Ihre Gefühle füreinander sind für die beiden Liebenden ein Schock, als sie erkennen, welcher Abgrund von überlieferter Feindschaft zwischen ihnen klafft, doch ihre Herzen und auch ihre Körper streben unaufhaltsam zueinander hin – eine heimliche Heirat besiegelt ihre Liebe. Aber wird sie auch die Geschichte des alten Familienhasses beenden?
Die Verbindung von Romeo und Julia hat Sprengkraft, die Opfer fordern wird – am Ende die beiden selbst!
Choreographierte Kämpfe geben die mit Aggressivität aufgeladene Atmosphäre authentisch wieder. Der Soundkünstler Daniel Mandolini (Beatboxer »Mando«) akzentuiert die sprachliche Kraft von Shakespeares Drama dieser fatalen Liebe mit Dynamik und Sound.

Die neue Inszenierung von »Romeo und Julia« (2001 in der Regie von Rainer Iwersen und 2013 in der Regie von Nora Somaini) hat der Schauspieler und Regisseur Michael Meyer herausgebracht. Ein Theaterabend, der mitten ins Herz zielt, auch und besonders bei jungen Zuschauer:innen.

Daniel Mandolini
Daniel Mandolini, besser bekannt als Beatboxer »Mando«, arbeitet praktisch nur mit Mikrofon und Stimme, wobei „Stimme“ es eigentlich kaum trifft. Er produziert Geräusche mit seinem Mund, die in der technischen Verstärkung und Verzerrung für vielfältige akustisch-atmosphärische Untermalungen eingesetzt werden können. Dazu gehören ganz poetische, an Naturgeräusche erinnernde Sounds wie Wind (säuselndes Lüftchen bis hin zu heulendem Sturm), Regentropfen bis hin zum Wolkenbruch mit Donnergrollen, aber auch Flügelschlagen von Vögeln und diverse Geräusche wie von Nachtigallen oder Insekten. Mit diesen Geräuschen kann man z.B. eine Tag- bzw. Nachtszene andeuten. Zweitens kann die akustische Untermalung auch abstrakt eingesetzt werden, um einen Spannungsbogen in der Handlung zu verstärken. Die Aggressivität und die Dynamik der Handlung kann mit »Mandos« Sounds enorm verstärkt werden.

Copyright Text & Bild: Shakespeare Company

Mit Einführung um 18.30 Uhr

»Macbeth« ist eins von Shakespeares kürzesten Stücken, aber prallvoll mit Aktion und Dramatik. Die Ereignisse überschlagen sich derart, dass Macbeth mitgerissen wird und sie nicht mehr kontrollieren kann. Er rast durch sein Drama, so wie ein Krieger in die Reihen seiner Feinde rast. Er ist gefangen ist einem unendlichen Kreislauf aus Schmerz, Zerstörung und Tod, angetrieben von seinen eigenen fehlgeleiteten Entscheidungen. Einmal begonnen, kann er diesen zerstörerischen Pfad nicht mehr verlassen und betrügt sich selbst, wenn er sich einredet, dass er die Lage noch drehen kann und dass am Ende der Zweck die Mittel heiligen wird. Er sucht verzweifelt nach Liebe, Ehre, Freundschaft, Macht… Am Ende verzweifelt er an sich selbst. Die stark atmosphärische Inszenierung setzt gekonnt filmische Mittel wie einen hypnotischen Soundtrack, schlichte, historisch anmutende Kostüme und starke Lichteffekte ein. Die zügige Erzählweise und die Anklänge an bekannte History- und Fantasy-Produktionen sprechen auch besonders die Sehgewohnheiten von jugendlichen Zuschauern an.

English MACBETH is one of Shakespeare’s shortest plays, but it is loaded with action and dramatic turns. The events tumble forward so quickly Macbeth feels powerless to stop them. For Macbeth, the events of the play bring the adventure and terror of his familiar battlefield to the supposed peaceful and trusted boundary of his home. He is caught in an endless circle of pain, destruction and death brought on by his own misguided choices. Once Macbeth agrees to the fate of the play, he is powerless to leave the destructive and deadly path of his actions. He fools himself into believing he will not reap the consequences of his own choices. Shakespeare’s Macbeth is desperate for love, recognition, honour and friendship. Desperate for power…Desperate. Just desperate. The performance uses a cinematic way of story-telling: a straight line of action, a hypnotic soundtrack, sober but expressive costume, and the use of light and fog to create an atmosphere that is similar to popular history and fantasy productions. BSC’s Macbeth may very well appeal to a younger audience due to its cinematic flavour.eg

Copyright Text & Bild: Shakespeare Company